Abstraktní umělec Robert Mangold byl tak pozoruhodně konzistentní a disciplinovaný s jeho přístupem k malování a kreslení, že dělá téměř všichni ostatní vypadají rozmarně a proměnliví.
Mangold zkoumá geometrii, formu a barvu déle než 60 let, s půlstoletím té doby na okouzlující nemovitosti zde v Hudson Valley se starým statkem a stodolou.
Nyní 87, Mangold se rozhodně zpomalil. Stále však pracuje a má přehlídku nedávných obrazů a práce na papíře v Pace Gallery v Chelsea, která se otevírá v pátek.
„Robert Mangold: Pentagony a složený prostor“ je načasován, aby se shodoval s rušnou jarní uměleckou sezónou v New Yorku a zůstává k vidění až do 15. srpna.
Výstava má 19 děl a některé mají více komponent-včetně „čtyř pentagonů“ (2022), čtyř panelů, které je jednou z jeho největších za desetiletí-takže se může zdát ještě větší a šíří se na dvě patra. („Čtyři pentagony“ a několik dalších děl jsou zapůjčeny z muzeí nebo soukromých sbírek, v tomto případě z Art Institute of Chicago.)
Mangold může strávit roky iterací ve tvaru. Kruhy a půlkruhy jsou formy, ke kterým se znovu a znovu vrátil, někdy zabudovaný nebo zabudovaný do přímočarých forem, jako v „Circle Painting #4“ (1973), které, které, které prodáno za 365 000 dolarů v Christie’s v roce 2014.
Umělec Sylvia Plimack Mangoldová seděl u svého kuchyňského stolu se svou ženou, přemýšlel o tom, proč Pentagony a další polygony právě teď věnovaly svou pozornost – a proč mají bodovější, akutnější úhly než ve většině jeho předchozí práce, abstraktní ekvivalent ostrých loktů.
„Dnes jsem si myslel, že by to mohlo souviset se světem, ve kterém žijeme právě teď,“ řekl Mangold po několika dnech extrémních gyrací světových finančních trhů. „Existuje pocit kolapsu vnitřního prostoru obrázků. Místo toho, aby se rozšiřoval, se stahová.“
Mangold je skutečný věřící, pokud jde o sílu, kterou lze vyvíjet uměleckým dílem bez zjevného figurálního referenčního bodu, co nazval „fyzickou silou, která vytváří svou vlastní realitu“.
V posledních několika měsících se Mangold zaměřil na práci v menším studiu na pozemku, kde dělá malá díla na papíře s tužkou a pastelem, což je pro něj fyzicky snadnější proces, než na výrobu větších obrazů ve své stodole.
Tře si pastel papírovým ručníkem, stejnou technikou jako v pracích v tempo show jako „Folded Space 3“ (2024). Jeho kresby často připravily cestu pro pozdější obraz stejného složení.
Přestože je klasifikován jako minimalistický nebo konceptualista, Mangoldova díla mají vibraci a teplo, které se nemusí nutně setkat v reprodukci.
„Jeho dílo se nikdy nehodí do agresivní minimalistické věci,“ řekla Barbara Haskell, dlouholetá kurátorka v Whitney Museum of American Art, která má více než tucet Mangold funguje ve své sbírce.
„Je tu lyricismus, pochoutka jeho linie, kombinovaná s přísnou geometrií,“ řekl Haskell. „To jim dává jejich energii.“
Color hraje velkou roli v Mangoldově práci, ale on má tendenci nevybírat jasné primární tóny. „Nemůžeš popsat jeho barvy,“ řekl Plimack Mangold. (Pace nedávno začala reprezentovat její práci; je známá obrazy v figurální žíle.)
Mnoho odstínů v jeho dřívějších dílech bylo inspirováno barvou objektů, včetně budov v New Yorku a obálek Manily. „Měl jsem základní zbraň, která byla šedé zelené, a vzpomínám si, jak jsem použil tuto barvu,“ řekl Mangold.
Zakladatelka Pace, Arne Glimcher, která zastupuje Mangolda od roku 1991, uvedla: „Myšlenka síly barvy v Bobově práci je stejná jako u Rothko: předávání emocí se sníženými prostředky.“
Rodák z Upstate New York („Jsem venkovský bumpkin,“ řekl.), Mangold studoval na Cleveland Institute of Art na konci 50. let a v roce 1958 šel navštívit prominentní dvouletá výstava v Pittsburghu, který se později vyvinul, aby se stal Carnegie International.
Mezi uvedenými umělci byli Willem de Kooning, Jackson Pollock, Barnett Newman, Ellsworth Kelly a Mark Rothko.
„Poprvé jsem tam viděl abstraktní expresionistickou práci,“ vzpomněl si Mangold. „To mě vyrazilo. Vzalo mi to dech.“
Na začátku šedesátých let se oba Mangolds zúčastnili Yale University School of Art and Architecture, kde dostal BFA a MFA, které se vzali v roce 1961. Ve stejné éře udělal Mangold jako strážce v muzeu moderního umění.
„Byla to velmi pěkná práce; nepřišel jsi až do 11 let a vy jste byli v 5,“ řekl.
Picassos tam a jeho evoluce, přilepené k Mangoldu – i když jeho vlastní historie stylu by se nesledovala. „Nemohl jsem překonat skutečnost, že začal jednou cestou, a pak šel jiným způsobem,“ řekl Mangold.
Manhattan Living ovlivnil jeho umění jemným způsobem.
„Moje první obrazy, když jsem přišel do New Yorku, byly velmi inspirovány městskými budovami a kamiony,“ řekl. „Neviděl jsi všechno najednou – viděl bys kousky věcí, jako kus kamionu, který je na našem studiu na Bowery.“
Rád pracoval na značných plátnach, když mohl. „Chtěl jsem fyzické měřítko, které bych mohl stát a vztahovat se k němu a připojit se k němu,“ řekl.
Mangold byl zahrnut do a Landmark 1968 Show Tato inaugurovaná galerie Paula Cooper, první umělecká galerie v Soho. Měl anti-vietnamské válečné téma a zahrnoval mnoho velkých jmen, zejména jednoho z nejlepších Mangoldových nejlepších přátel, umělce Sol Lewitta.
Cooper uvedl, že byla potěšena malbou Mangolda v pořadu – Mangold si vzpomněl, že práce byla „1/2 Manila zakřivená oblast (rozdělena)“ (1967) – a poznamenala, že je „tišší a méně senzační“ členem jeho umělecké generace ve srovnání s jeho vrstevníky.
Navzdory tomu, že se v galeriích představoval, Mangold v prvních letech nevydělával z jeho umění moc peněz. „Neprodávali,“ řekl. „Trvalo tolik let, než se obraz prodal za 1 000 $.“
Sólo Guggenheim Museum show To začalo v roce 1971 pomohlo jeho pověsti. To bylo kolem, když Mangolds začal trávit čas v zemi a do roku 1975 se přestěhovali do svého současného majetku.
Jejich syn, filmař James Mangold, který byl nedávno nominován na Oscara za režii „úplného neznámého“, řekl, že jeho rodiče tam žili během svého dětství poněkud poněkud „maskovanou“ existenci, ale od té doby se to vyplatilo ve svém umění.
„Velmi jsem od nich dostal důležitost nalezení vašeho hlasu, vašeho místa a vašeho jazyka,“ řekl James Mangold. „Nemusíš dělat to, co v tu chvíli dělají všichni ostatní.“
Ve svém Sky Sky Lit Barn Studio seděl Robert Mangold na židli a mluvil o tom, jak a proč používá váleček k nanášení barvy, což je snazší než použití postřikovače, který zaměstnával před rokem 1968.
„Je to způsob, jak nasadit barvu bez dotyku umělce-mezi mnou a to je stroj,“ řekl a opakoval depersonalizaci, která byla principem abstrakce 20 století. Ale jeho vlivy jsou mnoho. Rovněž poznamenal, že vyvolává kvalitu italských fresek pomocí zředěné akrylové barvy.
Uprostřed dokončených prací visících ve stodole byly dvě ostré bílé prázdné plátna. V dalekém rohu byl jeden tvarovaný jako polygon obzvláště na Mangoldově mysli jako potenciální budoucí obraz, protože když se k němu cítí.
„Mám to natažené a připravené jít,“ řekl.
